Soccer Mommy se encuentra realizando una serie de conciertos, bastante pedidos por sus fans, en estos conciertos se presentan en solitario y son denominados The Lost Shows, en los que está estrenando nuevo material.
Hoy, Sophie Allison comparte una de las impresionantes canciones que ha estado interpretando en vivo en estos shows. «Lost«, su primer sencillo desde su aclamado álbum de 2022 Sometimes Forever.
«‘Lost’ se siente como algo nuevo y algo antiguo al mismo tiempo», dice Allison sobre la canción. «Es una canción llena de reflexión y quería que su producción realmente capturara ese sentimiento. Estoy feliz de tener la oportunidad de tocarla en estos shows en solitario, al ser más íntimos, porque creo que realmente brilla en ese ambiente».
Cuando Sophie Allison comenzó Soccer Mommy, aún era estudiante en la Universidad de Nueva York, tocaba en shows locales por toda la ciudad ante modestas multitudes, solo con su guitarra. Hoy en día, Soccer Mommy es una de las artistas indie más queridas y altamente reconocidas de su generación, con tres álbumes aclamados por la crítica en su haber, una gran cantidad de presentaciones en televisión, innumerables shows agotados y codiciados lugares en festivales en todo el mundo, impresionantes debuts en las listas de éxitos y mucho más. Ahora, con «Lost» y las presentaciones en solitario de Soccer Mommy con solo ella y su guitarra la regresan a sus raíces.
Gira Lost Shows:
Junio 28 – Southampton, Reino Unido – Papillon
Junio 29 – Pilton, Inglaterra – Festival de Glastonbury
Junio 30 – Manchester, Reino Unido – Festival Outbreak
Julio 2 – Edimburgo, Reino Unido – Summerhall – Sala de Disección
Julio 3 – Newcastle upon Tyne, Reino Unido – Cervecería Wylam
Julio 4 – Norwich, Reino Unido – Norwich Arts Centre
Julio 5 – Cambridge, Reino Unido – Junction 2
Julio 7 – Rotselaar, Bélgica – Festival Rock Werchter
Septiembre 29 – Washington, DC – Festival All Things Go
Soccer Mommy dio un show especial en Los Ángeles anoche, presentando música de su nuevo disco y con la aparición especial de Phoebe Bridgers, quien se unió a Sophie para interpretar un cover a ‘The Biggest Lie’ de Elliott Smith.
“Traté” es el primer sencillo de la cantante y compositora mexicana Karla Cruise, que formará parte de su próximo álbum “Silvestre”. Estará disponible en plataformas digitales a partir del 7 de junio.
El tema brota de la melancolía de desear lo que no pudo ser. Evoca la vulnerabilidad a la que nos exponemos al amar. Con teclados sesenteros y cuerdas que navegan en melodías dramáticas, se exploran los sentimientos que surgen al tratar de salvar un amor.
La canción se grabó en mayo del 2024 en Estudios DMY en Monterrey, Nuevo León. Un dato curioso es que se utilizó prominentemente un teclado Yamaha YC-45 propiedad de “Los Plebeyos”, mismo que se usó también en la grabación del clásico tema “Pipiripau”. Y al estar grabando la canción, la cual en esos momentos tenía un toque sesentero al estilo “La Caravana del Rock and Roll”, el productor Rudy Martínez escuchó en una vieja cantina al norte del estado de Nuevo León la canción “Ella” de Juan Gabriel, inspirado por esas melodías le compartió a Karla la idea de incorporar trompetas y violines tocados por músicos de mariachi de Jalisco en este nuevo sencillo “Traté”, lo que provocó un cambio en el sonido, llevándolo hacia el género de música contemporánea mexicana; así fue como “El Divo de Juárez” inspiró el proceso creativo de Karla y Rudy en esta canción.
El lado visual de este sencillo (“Traté”) va de la mano con el noreste de México, la nostalgia, el poder del sol en el monte, el desierto, el glamour de los sesentas en México. Los colores e historias de una cantina pintoresca en medio de la nada. Y los sonidos y alegrías que se vivían en los salones de baile de hace unas décadas.
Este sencillo sale acompañado de un videoclip el cual se sitúa en un bar en medio de la nada en el territorio del norte del país, y estará disponible el 7 de junio en su canal de Youtube.
Acerca de Karla Cruise:
Es una canta-autora y diseñadora nacida en Hermosillo, Sonora. Las canciones de su nuevo álbum, “Silvestre”, destacan en un género contemporáneo mexicano, con tintes de melancolía e historias cargadas de emociones.Durante su carrera Karla ha estado vigente en festivales nacionales e internacionales y su nuevo álbum que será lanzado en octubre del 2024 es un ritual de Iniciación hacia un estilo alternativo regional mexicano.
DESPUÉS DEL ÉXITO DE LOS PRIMEROS ADELANTOS LA ARTISTA CONCLUYE ESTE TRABAJO DE 6 CANCIONES
TSUNAMI (Warner Music Spain, 2024) es uno de los trabajos más personales de La Cendejas, donde sigue los pasos del éxito de sus temas anteriores. Este nuevo lanzamiento destaca por sus temáticas crudas, valientes, femeninas y empoderadas desde un enfoque renovado y con una madurez palpable. La artista resalta su facilidad para combinar letras emotivas con melodías envolventes.
En estas seis canciones explora temas universales como la familia, la autenticidad y el crecimiento personal basándose en vivencias de estos últimos años.
El último año de Paula ha sido como un TSUNAMI que arrasa con todo a su paso, dejando el terreno listo para volver a construir. En este proyecto se muestra sin tapujos para volver más fuerte , real y cruda, asombrando con un cambio de imagen y nombre con el que refleja empoderamiento.
El proyecto cierra con «X», un grito de enfado y rebeldía escrito en un momento de rabia por una relación fallida. Durante la primera etapa de la ruptura, la cantante expone la mentira en la que vivió durante la relación. Esta canción cargada de odio y resentimiento viene acompañada de un ritmo electrónico y potente que cautiva con su letra.
Con este EP producido por Carlos Ares al completo, Paula presenta una colección de canciones que reflejan su evolución artística, consolidándose como una de las voces más prometedoras del panorama musical actual. Estos tres nuevos temas vienen pisando fuerte para que los fans puedan conocer más de cerca a la artista.
Los primeros singles del EP: PAENAMORAR, COLIBRÍ y TATAMI aclamados por los medios, permitieron entrar en el top 5 viral de España, manteniendo en alza el éxito nacional e internacional que viene trayendo desde sus últimos trabajos. Seleccionada como una de las artistas españolas a tener en cuenta este 2024 por Billboard latin, su nombre continúa resonando en las portadas de Nuebo y Acero, y protagonizando editoriales para Glamour, Elle, Vogue y Vanidad.
“PAENAMORAR” fue el primer tema con el que logró consagrarse como un referente de libertad y rebelión ante muchos de los tabúes de nuestra sociedad. La artista madrileña comenzó con este tema su etapa más profunda y personal. Con esta canción Paula Cendejas arrancó una nueva etapa musical donde el dolor, la superación y la reconstrucción son sus pilares y viene directa para mostrarlos al mundo.
“COLIBRÍ”, su lanzamiento más conmovedor y que es el segundo de Tsunami, el EP que verá la luz este 2024. Con este tema la joven artista abre una puerta a su corazón usando la metáfora de un colibrí. Paula Cendejas narra la historia de una pérdida de una manera sincera y pura.
Su último sencillo, TATAMI, es un testimonio poderoso de las complejidades de las relaciones familiares, explorando la cruda realidad entre ella y sus padres, metaforizándolos así en forma de judocas en un tatami. Un single que nace de la necesidad de contarle al mundo algo de su historia en forma de canción. Un tema con fuerza, valentía, con temáticas valientes y empoderadas.
A través de TATAMI, Paula abre su corazón para compartir una parte íntima de su vida, ofreciendo una mirada sincera a las luchas y los triunfos que ha enfrentado en su relación con sus padres.
Paula Cendejas comenzó su carrera en el 2013 sabiendo muy bien a dónde quería llegar y se ha convertido en una de las voces más valiosas de la música actual española. Su talento fue descubierto por el reconocido productor Alizz y desde entonces su carrera no ha dejado de crecer.
Recientemente ha sido elegida por Billboard Latin entre los 2 artistas de España a tener en cuenta este 2024. Y como una de las artistas hispanas de este año por Rolling Stone en Español.
Seleccionada por Forbes como una de las más influyentes del año 2022.
En 2022 también se presentó en Lollapalooza Chile y Argentina y en Tecate Emblema de MX y en 2023 hizo shows propios de sala en México, Colombia y Argentina.
También tocó por primera vez en USA, en Nueva York, en la mítica sala DROM.
El tema es un relato sobre una situación por la que todos hemos pasado, pues confronta el rechazo en la era digital, acción conocida como ghosteo.
Tras el anuncio de su próximo show en el Palacio de los Deportes de la CDMX, el más grande como headline hasta ahora, la cantautora y productora colombiana Elsa Carvajal, nominada 6 veces al Latin GRAMMY, lanza su nuevo sencillo. Esta canción aborda el dilema moderno de ser ignorado en las conversaciones digitales. La letra fue creada durante una sesión de escritura junto al artista español Álvaro De Luna. Producida por Elsa y el productor Julián Bernal (Sebastián Yatra, Kali Uchis,Álvaro Díaz), esta pista promete una excepcional fusión de sus energías creativas.
Mientras Elsa explora sus límites creativos, también se adentra en la expresión durante la era digital, reflexionando sobre la comunicación moderna a través del vibrante paisaje del pop latino.
“Últimamente, me ha interesado mucho explorar las nuevas emociones que ha creado la era digital. Siento que todavía nos falta la palabra exacta para describir la mezcla de tristeza, vergüenza y humillación que experimentamos como generación de internet cuando nos dejan en visto”, compartió la cantautora.
Al hablar de la colaboración, la cantautora expresó: “Siento que su voz [la de Álvaro] y su vibra aportan frescura a la canción, y su energía de estrella de rock crea la atmósfera perfecta para desarrollar la premisa del video”, señaló.
El video, dirigido por Gonzalo San, muestra a Elsa como un ícono pop más grande que la vida misma, lidiando con el dolor del rechazo, que incluso en medio de su tremendo éxito, ninguno de nosotros está libre de ser ignorado. Con huevos de Pascua ocultos para los fans más observadores, Elsa se encuentra perseguida por la presencia de Álvaro en cada momento.
Elsa y Elmar se presentó en Isle of Light en Santo Domingo RD el 9 de marzo, donde compartió escenario junto a Phoenix y Villano Antillano, de igual forma se presentó en Tecate P’al Norte en Monterrey, el 29 de marzo junto a Peso Pluma y Bomba Estéreo entre otros. El 26 de abril se presentó en Empire Music Festival en Guatemala, donde compartió escenario con Latin Mafia, Fuerza Regida y Tokischa entre otros, y el 17 de septiembre estará actuando junto a Julieta Venegas en el Teatro Griego de Los Ángeles, California.
“Básicamente, la historia del video es esta: ¿Cómo te atreves a dejarme en visto? Si soy una estrella, si el mundo me ve, ¿cómo podrías rechazarme?”, expresó la artista.
La semana pasada, Elsa y Elmar reveló la portada de su próximo y esperado álbum, ‘PALACIO‘, que está programado para lanzarse el 30 de agosto y el link para pre agregar y pre guardar ya están disponibles. Un álbum que nos permitirá conocer aún mejor a Elsa. Este anuncio sigue de cerca la emocionante noticia de que presentará su emotivo show el 8 de noviembre en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. Compra aquí. Recuerda que ya puedes generar tu Fan ID para recibir noticias exclusivas y muchas sorpresas.
Inspirado en su profunda melancolía y en el sonido sucio de grupos como Low, Jeff Martin y compañía finalmente dan a conocer el primer disco de IDAHO en 13 años, Lapse. Su anterior material de estudio fue You Were A Dick en 2011.
La banda originaria de Los Ángeles, California, es una joya oculta en el catálogo de la escena independiente. El grupo se formó en los años noventa y desde entonces ha pulido su sonido (que en este disco le hace guiños a Ultravox, Iggy Pop y Bill Nelson) y se ha consagrado como una de las propuestas de culto más interesantes de la región.
Como parte de Arts & Crafts México el primer sencillo que IDAHO presentó fue “On Fire”, una retrospectiva de los comienzos del proyecto, cuando Jeff Martin y John Berry (quien se retiró en 1993) se acomodaban como un dúo.
“Across The Sky” fue el segundo single con guitarras cargadas de feedback y «Snakes» fue el último adelanto previo a la revelación del álbum en su totalidad, un siniestro track que muta en nuestros oídos como piel de serpiente.
IDAHO – Lapse (2024)
1. Kamikaze 2. On Fire 3. West Side 4. Heaven On Earth 5. Heat Seek 6. Somehow 7. Snakes 8. Across The Sky 9. Throw The Game 10. 29 Palms
Terminar una relación nos deja con un sin fin de ideas que no sabemos procesar. Para dar cauce a estas emociones, la canta-autora española nos presenta su más reciente sencillo, una power ballad llena de sentimiento que nos brinda la posibilidad de hacer catarsis a través de su voz.
«Nadie me dijo que lo más jodido empieza después de terminar». Con esta frase Neela nos presenta “Contacto Cero”, su nuevo sencillo, una épica balada pop-rock que explora uno de los asuntos más complejos de nuestras emociones: ¿qué hacer cuando se termina una relación y debes re-armar los pedazos rotos del corazón?
Gracias a esta composición, la cantautora de origen español nos sigue demostrando su sensibilidad para crear melodías capaces de conectar con el lado más sensible y vulnerable del alma, como ocurrió con los sencillos “Ya Te Avisé” y “4 Minutos”, los cuales se colocaron rápidamente en el gusto del público.
Por su parte, “Contacto Cero” se erige como un nuevo himno para aquellos que estén viviendo por un desencuentro amoroso, ya que tanto la letra como la instrumentación están cargadas de gran intensidad, al tiempo que la estructura de la pieza juega con distintos estilos, todo con tal de brindar un abanico de posibilidades a nuestra catarsis.
Finalmente, el video de “Contacto Cero” retrata de manera perfecta los versos y el mood de la canción, pues gracias a una suerte de cortometraje, atestiguamos la ruptura de una pareja, historia que da paso a la compleja intimidad de una protagonista femenina (la propia Neela) que trata de ser fuerte con sus convicciones, pero que se ve constantemente atacada por la intención de regresar con su ex.
Así que ya lo sabes: si quieres aprender cómo se puede usar el dolor para sanar el corazón, escucha “Contacto Cero” de Neela, ya disponible en tu plataforma favorita.
Nathaniel Rateliff & The Night Sweats estrenan el video para su sencillo “Heartless” y a la par revelan una nueva serie de fechas de su gira por arenas en EE.UU., incluyendo presentaciones en el Moody Center de Austin, el United Center de Chicago, el Excel Center de St. Paul y un espectáculo e histórico show que darán en el Madison Square Garden.
La gira celebra el cuarto álbum de estudio de Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, South of Here, cuyo lanzamiento está previsto para el 28 de junio a través de Stax. Y a partir de hoy está disponible el video para el primer sencillo del disco: “Heartless”, que actualmente ocupa el puesto #1 en Americana Radio y está en el Top 5 de las listas Triple A.
El video, que aborda temas relacionados a la infancia de Rateliff y su mudanza al oeste de EE.UU. desde su ciudad natal en Missouri, fue dirigido por Kimberly Stuckwisch, la galardonada directora que ha trabajado anteriormente con Olivia Rodrigo y Margo Price, entre otros. Ella comenta sobre el video: “Creciendo en una parte empobrecida de Kentucky, a menudo me encontraba huyendo de mi crianza sumergiéndome de lleno en los libros, la escritura y el teatro, todo en busca de una vida diferente, un sueño diferente. Fue a través de las artes que encontré y sigo encontrando mi libertad. En muchos sentidos, modelé a nuestro personaje principal (Kevin Kelley) a partir de mí misma y estoy muy agradecida de que Nathaniel confiara en mí para una lectura tan personal a una canción tan importante para el mundo.”
Con su gira más grande hasta la fecha, Nathaniel Rateliff & The Night Sweats logran otro hito en su carrera, culminando una historia de poderosas presentaciones en vivo. La innegable presencia escénica de Rateliff ha impulsado su ascenso constante desde que irrumpió en la escena DIY de Denver. Noah Kahan dijo al compartir el escenario con Rateliff «todo un honor.» Agregando: «Su música me ha ayudado en muchos momentos difíciles de mi vida. Esta es una de las mejores voces que he escuchado. Es un tipo muy dulce y un talento brillante.» Colaboraciones adicionales incluyen Paul Simon en Newport y Willie Nelson en el Hollywood Bowl. Más recientemente, Rateliff escribió e interpretó un dueto con Orville Peck en el nuevo álbum de Peck, Stampede Vol. 1.
Sus legendarios shows han recibido grandes elogios, con el Chicago Tribune describiéndolo como “una de las voces más poderosas en la música folk, ya que su barítono ronco es capaz de expandirse en rango y llenar una sala entera sin un micrófono… Te dará escalofríos,” y Westword lo calificó como “uno de los pocos cantautores en el país que podría inyectar energía a través del lugar con un pisotón con The Night Sweats y luego hacer llorar a la audiencia con un material solista conmovedor.” Desde que agotaron el Ball Arena de Denver para su primer show en una arena en diciembre de 2022, la banda está alcanzando nuevas alturas y audiencias más amplias que nunca antes.
Producido por Brad Cook (Waxahatchee, Bon Iver, Kevin Morby) y grabado en Sonic Ranch, cerca de El Paso, Texas, South of Here enfrenta una vida de dolor y trauma y lo transforma en una conmovedora reflexión sobre el amor, la pérdida, la esperanza y la resolución. Siguiendo a And It’s Still Alright, el querido LP solista de Rateliff de 2020, y The Future, el aclamado lanzamiento de The Night Sweats en 2021, el nuevo álbum fusiona sin esfuerzo ambos lados de su inmenso talento: narración emocionalmente potente y vívida y el robusto revival del R&B que ha impulsado a la banda a la aclamación mundial en la última década.
A lo largo de 11 canciones originales, todas escritas por NathanielRateliff e interpretadas por The Night Sweats la banda, en su mejor forma, toca con una belleza intuitiva mientras la producción de Cook captura el fuego del alma del grupo con inmediatez y propósito.
“Brad fue un gran productor para escribir juntos. Este álbum es una mirada a mi propia lucha con la ansiedad, la inseguridad y las historias de mi vida. Me animó a asumir la responsabilidad de mi propia narrativa en las canciones y a escribir sobre lo que está sucediendo en mi propia vida,” señala Rateliff. “Estas grabaciones se hicieron juntos en una sala con mis amigos más cercanos. Espero que estas canciones e historias te den la oportunidad de comprender mejor tus propias luchas, sean cuales sean”.
El sencillo más reciente del álbum, “David and Goliath”, fue elogiado por Louder, describiendo “Esta estrella del americana del siglo XXI desnuda su alma con un efecto impresionante en esta última pista: todas las sensibilidades beatlescas y con un toque de alma, articulando las luchas internas que muchos de nosotros enfrentamos”.
A lo largo de su carrera, Nathaniel Rateliff ha generado aclamación generalizada de críticos y músicos por igual. Robert Plant recientemente lo ubicó entre la próxima generación de grandes: “Es uno de esos tipos que simplemente llevará la antorcha. Hermosa composición, hermoso canto, gran entrega, y es un tipo magnífico para acompañar eso”.
Nacidos en los clubes de rock en y alrededor de Denver, CO., Nathaniel Rateliff & The Night Sweats han lanzado tres LP, dos EP y un álbum en vivo. Desde su álbum debut homónimo en 2015, la banda se ha establecido como talentos generacionales a través de sus actuaciones en vivo y un creciente catálogo de grabaciones de estudio esenciales. South of Here es otro gran paso adelante. Unido por la lucha por la identidad y la búsqueda de pertenencia, reverbera con el entendimiento de que todos estamos juntos en este hermoso desastre.
Sonidos vintage que de inmediato remiten a la radio pop de los 60 y 70, con un claro sentido de la melodías r&b yel soft rock de actos como Player, The Carpenters y hasta Curtis mayfield, pero pasad es lo que da origen a flying Away, el debut de Muq
Flying Away, el debut de Jon Muq, músico nacido en Uganda es una colección de canciones envidiable, las piezas son concretas, compactas, legibles en cualquier sentido, con todos los elementos necesarios, no hacen falta más cosas, tampoco sobran.
El disco tiene una virtud enorme, fusiona melodías extraídas de sus vivencias africanas para amalgamarlas con las occidentales, reflejando su asombroso viaje desde Uganda hasta América, dándole un carácter y autenticidad de ciudadanos del mundo único, lo que solo puede conseguirse al tener una apertura musical bastante amplia, lo que puede constatarse en canciuones de la talla de Bend, por decir algo.
Producida por Dan Auerbach, esta colección de canciones está impregnada de temas de resiliencia y conexión, la composición espontánea y reflexiva de Muq captura la esencia de su vida transcontinental. Desde tocar para niños en las calles de Kampala, pasando por cruceros, hasta compartir escenarios con algunas de las mayores estrellas de la música.
El trío, célebre y recordado en nuestro país por abrir los conciertos de la primera visita de Pearl Jam a Ciudad de México en 2003, lanza este remix especial de la canción tomada de Littel Rope (Loma Vista Recordinfs, 2024), su disco más reciente
La banda punk de Nueva Orleans: Special Interest, ha compartido un remix de la canción políticamente cargada de Sleater-Kinney, “Crusader”, tomada de su álbum más reciente: Little Rope.
Ambos grupos dieron un adelanto de la colaboración en un programa especial de NTS Radio que compartieron anoche, titulado “Savage Glitter w/ Sleater-Kinney & Special Interest”. El título del programa proviene de una descripción que Sleater-Kinney dio sobre la intención original detrás de “Crusader”: «tu mera existencia es una amenaza para las personas que dicen ser justas y buenas. Las transgresiones psíquicas y, a veces, literales sobre tu autonomía corporal son agotadoras. Pero en lugar de encogerte, creces para poseer un brillo salvaje”, (en inglés: «your very existence is a threat to people claiming to be righteous and good. The psychic and sometimes literal trespasses upon your bodily autonomy are exhausting. But instead of shrinking, you grow to possess a savage glitter.”).
Little Rope el décimo primer álbum de estudio de Sleater-Kinney y el primero editado en Loma Vista, es uno de los discos más finos y delicadamente elaborados en los 30 años de carrera de la banda. El álbum ha recibido elogios de The New Yorker, Rolling Stone, NPR, Pitchfork, Associated Press, Vulture, Paste Magazine, them, Consequence, Esquire, People Magazine y American Songwriter, entre muchos más.
La prensa especializada opina acerca de Little Rope:
«La música de Sleater-Kinney está construida a partir de colisiones precisas. La distorsión de la guitarra de Brownstein suena como una persona exhalando un último fuerte aliento. La voz de Tucker, una de las más distintivas en la música, es como una sirena, fuerte como si fuera una necesidad esa fuerza, pero subrayada con una dulzura burlona.»
The New Yorker
«Sleater-Kinney rara vez ha explorado reservas autobiográficas de tristeza como lo hacen en Little Rope, respondiendo no solo a la pérdida sino también a la duda, la desesperación social y la depresión.»
Pitchfork
«Uno de los discos más crudos e intensos en los casi 30 años de carrera de la banda… Hay una emoción y una urgencia, una sensación de estar al borde de algo.»
Rolling Stone
«Oscuro y catártico, con algunos de los riffs de guitarra más ardientes de Brownstein en años.»
Vulture
«La música de Sleater-Kinney también ha evolucionado junto con los tiempos, lo que indica una banda dispuesta a explorar nuevas direcciones mientras conserva sus raíces principales de rock indie.»
People Magazine
«Un triunfo enigmático que vuelve a los riffs de guitarra y estallidos vocales por los que son conocidos.»
Interview Magazine
«Aunque la pérdida, el dolor y la conexión siempre han definido el trabajo de Sleater-Kinney, Little Rope se siente especialmente imbuido de una agudeza e intensidad emocional.»
Paste Magazine
«Su álbum más fuerte en mucho tiempo, lleno de la furia y la empatía que esta banda hace mejor.»
Stereogum
«Incluso después de todos estos años, los cambios de vida y los cambios de banda, la química entre Carrie y Corin es mágica.»
Brooklyn Vegan
SLEATER-KINNEY SE ENCUENTRA ACTUALMENTE DE GIRA PROMOCIONANDO LITTLE ROPE
Roby Damian le pone punto final a la era sad con la entrega de “Pastel Para Dos”, track que cierra el multitrack homónimo que sale a través del subsello de Universal Music México, Veo Sonora. Ya disponible en todas las plataformas digitales.
Tras la entrega de sus primeros sencillos “PZG”, “Rompecabezas” y posteriormente “Super Shining”, Roby da carpetazo final a la historia con “Pastel Para Dos”, su canción más personal a la fecha.
En un TikTok con un audio original del día en que todo se derrumbó hace dos años, en su cumpleaños, donde podemos ver a una Roby pequeñita soplando las velas de un pastel, ella teasereó a sus fans la llegada de la canción que inició todo. “Es que yo no sé qué pasó, güey” inicia diciendo, “…algo en mi intuición me decía algo (…) le dije que si no quería estar conmigo que me lo dijera ya”, y fue así como ella se quedó con un pastel para dos.
El dos de mayo del 2022, cumpleaños número 19 de Roby, es el génesis de “Pastel Para Dos”, canción que habla sobre cómo su ex corta con ella ese mismo día. “Te fuiste sin decir adiós, no te importó que era mi cumple ni mi corazón, y eso creo que dolió, me quedé con un pastel para dos…” se escucha en la canción con el característico autotune que interpreta de manera nostálgica, como sugiriendo aguantar las lágrimas que vemos cómo intenta retener en el visualizer oficial del video.
Roby nos abre uno de los recuerdos más fuertes que han marcado su vida personal y sentimental, mostrándonos cómo sus canciones y sus letras son increíblemente empáticas y resonantes con toda una generación.
Siendo fiel a su estilo, mezcla un sonido de bedroom pop con una calidad que rompe fronteras y nos lleva a cantar al unísono. Roby se perfila para ser la voz de una generación y nos promete que este no es el fin, sino el comienzo de una brillante carrera. Prepárate para la nueva era de Roby Damian este 2024, que esto apenas está empezando. Entérate de noticias y eventos exclusivos, música nueva y más noticias de Roby, antes que nadie suscribiéndote a su Newsletter.
ACERCA DE ROBY:
Con tan solo 21 años de edad, Roby pone en palabras y música lo que a muchos nos podría tomar una vida entera intentar verbalizar. Nacida el 2 de mayo del 2003 en la Ciudad de México, Roberta Damian inició su carrera frente a los reflectores desde muy pequeña. Después de probarse como talentosa actriz en series y películas, Roby decide dar un paso adelante en su carrera musical como cantante solista y en noviembre 2023 firma como la primera artista de Veo Sonora, sub-sello de Universal Music México.
Después de dar su primer showcase, nos conquista ahora a todos con “PZG”, himno que une a los corazones rotos después de una relación amorosa, que nos recuerda que por más que le intentemos dictar al corazón qué hacer (y sobre todo, olvidar), el cerebro recuerda hasta los más mínimos detalles, como la placa de un auto.
Roby cierra la Era de Pastel Para Dos con el multitrack que incluye sus 4 primeras obras como artista solista:
“PZG”, “Rompecabezas”, “Super Shining” y el génesis de todo el concepto: “Pastel Para Dos”.
