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BUDAYA presenta EP de remixes a su aclamado álbum CLAR%SCURO

 819 1024 Expresa Radio

Por: Staff Expresa

Siempre en búsqueda de hacer comunidad con más productores latinos el dúo conformado por Maya Piña y Tulio Almaraz presenta este 2024 un EP con cinco remixes que van de chill beats y lo-fi a techno oscuro y denso.

Los remixers elegidos para este material fueron Mzclbr (Mezcalibur, alias de Ferdinand González), Tumbacasas (dúo de productores de la Ciudad de México), un nuevo proyecto titulado LAFAM, Warbrum (Sergio Pastrana) y Ruth de las Plantas (experta en lofi). Desde sus versiones originales cada canción en CLAR%SCURO tenía definida su personalidad, detalle que se respetó en las remezclas eligiendo subgéneros acordes a las vibras que emana cada canción.

Destacamos «Duérmete Clavel (Mzclbr Remix)«, versión realizada por el productor Ferdinand González quien ha trabajado con proyectos como The Guadaloops, Tino El Pingüino y Bicho Blanco. El track que originalmente es una canción de cuna para el sueño eterno pasa a un contexto dance.

Estos cambios respetan la estructura progresiva de la versión original que fusiona géneros dentro del jazz, la electrónica y el trip hop representando las etapas del duelo y el cómo lidiamos con la pérdida y la muerte. Este remix transporta esto a un techno oscuro y denso, terminando en un suave ambient.

BUDAYA – CLAR%SCURO (REMIXES) (2024) 

1. Duérmete Clavel (Mzclbr Remix)
2. Tu Color (Tumbacasas Remix)
3. El Volcán (LAFAM Remix)
4. % (Warbrum Remix)
5. Quiero Decirle (Ruth De Las Plantas Lofi Remix)

“Outubro” es el adelanto del trabajo en conjunto entre Milton Nascimento y esperanza spalding

 661 660 Expresa Radio

Por: Joel Rodríguez

El legendario compositor y visionario musical Milton Nascimento, frecuentemente nombrado el mejor músico de Brasil, se une en una colaboración musical con esperanza spalding, a quien NPR llama la «genio del jazz del siglo XXI». Inspiración de spalding desde hace mucho tiempo, Nascimento y ella crean canciones que suenan simultáneamente modernas pero atemporales. Juntos lanzarán un nuevo álbum titulado Milton + Esperanza el 9 de agosto de 2024. Los invitados especiales  del disco incluyen a Dianne Reeves, Paul Simon, Lianne La Havas y más.

Durante años, esperanza spalding soñó con hacer música con el venerado cantautor brasileño Milton Nascimento. spalding escuchó por primera vez a Nascimento cuando era estudiante en el Berklee College of Music, en Boston, a principios de los años 2000. esa noche que lo escuchó por primera vez se mantiene vívidamente en su memoria. Apretujada en su habitación en el departamento que compartía con otros cuatro músicos, recibió a un grupo de amigos de Brasil para una cena con sushi. Uno de ellos puso “Native Dancer”, la colaboración de Nascimento con el saxofonista y compositor Wayne Shorter, lanzada en 1975. El primer sonido en el álbum es el falsete de Nascimento, una cosa de otro mundo, acompañado de un suave piano. «Me dan escalofríos solo de pensarlo», dice ahora. La música es beatífica; pero recuerda sentirse casi enojada: «¿Cómo no podía haber sabido de esto antes?»

Milton + esperanza será lanzado el 9 de agosto por Concord Records, este disco es la culminación de una forma muy conmovedora de la admiración por el músico brasileño que siente spalding. Una mezcla de clásicos del catálogo de Nascimento, nuevas canciones de spalding y versiones de otros artistas, incluidos The Beatles y Michael Jackson, el álbum es un retrato de su relación creativa. «El noventa por ciento de las cosas que escribo», dice, «estoy pensando en él. Estoy pensando en su voz. Me imagino cantándola con él. Es una cosa muy presente en mi imaginario creativa». Pero, aclara, eso no significa que haya llegado tan lejos como para imaginar un álbum colaborativo; eso estaba más allá de sus fantasías.

Las semillas de su conexión fueron sembradas por Herbie Hancock, quien primero le habló a Nascimento sobre la música de spalding. Esto preparó a Nascimento para aceptar la invitación a hacer un dueto en «Apple Blossom», del álbum de 2010 de spalding, Chamber Music Society, y en esa sesión de grabación nació una afinidad (en algún momento, Nascimento tocó el bajo en un trío de jazz cuando fue adolescente) y cariño entre ellos.

Compartieron el escenario al año siguiente en el festival Rock in Rio y desde entonces, cada vez que ella viajaba por Brasil, intentaba pasar por la casa de Nascimento en Río de Janeiro para improvisar. Eso podría haber sido toda la historia, de no ser por el hijo de Nascimento que sugirió, de repente, que spalding produjera un disco para su padre. Esto fue en un bar en 2022, después de una de las presentaciones en la gira de despedida de Nascimento y ella se sintió «desconcertada». Esa oportunidad de oro estaba ahí y el reloj ya estaba corriendo. Debido a la gira, explicó el hijo de Nascimento, la voz de Milton estaba en muy buena forma, así que sería mejor comenzar lo antes posible.

ste álbum spalding lo echó a andar recordando palabras de uno de sus colaboradores ya mayores, Unas cuantas veces Wayne Shorter me había dicho: ‘Tienes que conservar algo de lo que no quieres usar, para que nada se desperdicie’. Y yo no quería el elemento de sentirme presionada por el tiempo. Pero por supuesto, todo siguió adelante.

El álbum comienza con una conversación entre Nascimento y spalding; él recuerda despertar de un sueño con música. Lo que sigue es un sueño hecho realidad. «Cais«, de la expansiva y Beatlesiana obra maestra de Nascimento, Clube Da Esquina (1972), es la primera canción propiamente y si el oyente tenía alguna duda sobre la fuerza de la voz del octogenario, todas las preocupaciones quedan de lado por la nota colosal que spalding y Nascimento sostienen juntos a mitad de la pista. A lo largo de las 16 canciones e interludios del álbum, las texturas de sus voces contrastan evocando un sentimiento conmovedor; al escuchar el disco no puedes evitar reflexionar sobre el paso del tiempo, por qué el arte perdura y el espíritu incansable de la creatividad humana.

Acompañados por su banda principal conformada por: Matthew Stevens (guitarra), Justin Tyson y Eric Doob (batería), Leo Genovese (piano), Corey D. King (vocales, sintetizadores), spalding y Nascimento reimaginan juntos cinco de sus canciones más queridas, junto con cuatro originales de spalding y versiones a The Beatles, Michael Jackson y al guitarrista brasileño Guinga y Shorter. Aunque se hicieron algunos arreglos y otros trabajos de postproducción en Estados Unidos, gran parte de la grabación se llevó a cabo en Río.

El primer sencillo «Outubro» Ya está disponible, esta canción es original de 1969 y es la canción más antigua del catálogo de Nascimento en este nuevo álbum, al igual que «Cais«, es otra puerta de entrada a su catálogo. (También es una de las favoritas personales de spalding; dice que simplemente grabar esas dos canciones habría sido suficiente para dejarla satisfecha). Del disco Courage de Nascimento, «Outubro» es una de sus canciones más potentes. El narrador de la canción describe sentimientos de soledad y desesperación, pero elige buscar el amor y despertar un nuevo deseo por la vida de todos modos. Como dueto, la canción se eleva y se despliega, con un extenso final que presenta una brillante interpretación en la flauta de Elena Pinderhughes.

https://found.ee/Milton-esperanza

 

Café Hipnosis es lo nuevo de Charlie Rodd

 600 338 Expresa Radio

Por: Staff Expresa

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales. El track transmite una vibra bastante festiva y playera, es una de esas canciones que invitan a brindar y a sacudir los tragos en el aire

El cantante y compositor mexicano Charlie Rodd estrena su nuevo sencillo “Café Hipnosis”, en donde nos da un recordatorio de que los errores de la vida a veces pueden ser tan deliciosos.

El verano sexy está en camino y tiene un nuevo himno: ‘Café Hipnosis’. Glow Ups son sinónimo de evolución, y Charlie es prueba de que hay que actuar sin miedo para brillar.

La evolución artística es un viaje intrépido hacia lo desconocido, y con su último sencillo, «Café Hipnosis», Charlie Rodd emprende este viaje con una valentía sin igual. En esta nueva era de su carrera, el artista se atreve a expresarse sin miedo, sin límites, y en completa sintonía creativa, explorando dimensiones más profundas de su ser y sexualidad.

Tras años de exploración musical y crecimiento personal, ‘Café Hipnosis’ marca el comienzo de una nueva era en la carrera de Charlie. Su encanto radica en su habilidad para fusionar de manera magistral diversos géneros musicales, creando una experiencia auditiva que resuena en cada rincón del mundo.

«Café Hipnosis» es mucho más que una canción; es una experiencia energética que rompe barreras y redefine los límites del arte. Desde el diseño de su portada hasta el cautivador video musical que la acompaña, cada aspecto de este proyecto está impregnado de la misma libertad creativa que define la nueva era de Charlie Rodd. Es un testimonio de su compromiso con la autenticidad y la exploración artística constante.

Este lanzamiento viene acompañado de un videoclip con un mood muy fresco.

Charlie Rodd demuestra una vez más por qué es uno de los artistas más emocionantes de la actualidad. Su capacidad para desafiar las expectativas y explorar nuevos territorios artísticos lo sitúa firmemente en la vanguardia de la escena musical contemporánea.

Acerca de Charlie Rodd:

Es un cantante y compositor de Monterrey, México viviendo una odisea de creatividad y evolución artística constante. En un momento difícil para la escena musical, Charlie comenzó a compartir su arte en redes sociales y se convirtió en una figura destacada en la escena musical contemporánea con su habilidad innata para cautivar al público.

Su música, magnética, pero a la vez nostálgica y melodiosa, resuena con una autenticidad que trasciende fronteras y géneros musicales.

Su determinación y talento llamaron la atención de la industria musical, grabando su primer álbum físico, del cual se desprende “A Mi Lado”, tema original de la película “La Gran Promesa”. Su segundo éxito “Soñar Contigo” alcanzó la distinción de doble platino.

Charlie ha recorrido un largo camino, participando en festivales de renombre como Vive Latino y Machaca Fest, abriendo conciertos para artistas internacionales y consolidando su posición como uno de los músicos más emocionantes y originales de la escena actual.

Con el lanzamiento de su próximo álbum, Charlie Rodd demuestra una vez más por qué es uno de los artistas más emocionantes de la actualidad. Su capacidad para desafiar las expectativas y explorar nuevos territorios artísticos lo sitúa firmemente en la vanguardia de la escena musical contemporánea.

Alonso presenta: ¿Qué es querer?, su nuevo sencillo

 800 1015 Expresa Radio

Por: Joel Rodríguez

El líder de Napoleón Solo, busca reinventarse con esta nueva entrega, en la que una vez más, da muestra de su talento y versatilidad, en el que se muestra con gran optimismo

Conocimos a su creador, Alonso Diaz Carmona, Alonso, al frente de Napoleón Solo o, más tarde, por sus colaboraciones con Solea Morente, Dellafuente, Lorena Álvarez o Los Planetas, pero los tres avances hasta la fecha de su primer álbum, “Soy un humano”, “Guerrero” y “Sueño borracho”, han expandido su significación e importancia, confirmando su atrevimiento y resolución como compositor, su compleja imaginación, su libertad y singularidad narrativa.

Hoy publicamos “¿Qué es querer?”, cuarto y último adelanto de un álbum al que da título.

En este glorioso ejercicio de pop metafísico que induce al baile, Alonso suma a su voz la de Soleá Morente, a quien produjo su segundo elepé, Ole Lorelei, en 2018. Suave suave, discurren juntos acerca de las cosas del querer en una composición armoniosa de atmósfera sofisticada y efecto liberador.

 

¿Qué es querer?, single y álbum, presentan a Alonso como una radical excepción en el pop contemporáneo en español. Hemos celebrado antes la osadía y soltura, la sinceridad y agudeza, la locura de su talento creativo al aunar música académica y popular: rumba y electrónica, flamenco y latín jazz, ecos de Battiato, Vainica doble o Kiko Veneno. Hoy, por encima de todo, celebramos su unicidad.

La escucha atenta, de principio a fin, de ¿Qué es querer? Lo presenta como una exuberante, heterogénea y conmovedora ópera pop. Por separado, cada una de las diez canciones que lo componen se revela autónoma y perfecta en su composición, interpretación, arreglos y discurso. Alta cultura popular.

 

El álbum lleva una pregunta por título y contiene muchas más (y dudas, cavilaciones y sueños), pero atesora valiosas certezas y abre la puerta a una dimensión espiritual, si no desconocida, poco transitada. Es un tratado de transparencia emocional y luminosidad. Un disco filosófico repleto de hallazgos poéticos. Hermosa historia de amor, ruptura y sanación en diez capítulos, ¿Qué es querer? es abundancia y generosidad, la primavera de la música popular contemporánea en español.

 

¿Qué es querer? es la respuesta.

Alonso celebrará un concierto muy especial el 2 de noviembre en el Teatro Alhambra de Granada, donde presentará en directo ¿Qué es querer? junto a colaboradores y amigos.

 

SEBASTIAN BACH LANZA SU NUEVO ÁLBUM CHILD WITHIN THE MAN

 1000 1000 Expresa Radio

Por: Joel Rodríguez

El legendario ex cantante de Skid Row, se presentó el pasado 5 de mayo junto a su banda en el Lunario del Auditorio nacional. Child wthin the man, ya está ya está disponible a través de REIGNING PHOENIX MUSIC, rompiendo un silencio discográfico de más de 10 años

SEBASTIAN BACH mucho que celebrar el día de hoy. El lanzamiento de su anticipado disco titulado CHILD WITHIN THE MAN, que se estrena por medio de REIGNING PHOENIX MUSIC, el cual es su primer material en 10 años. Anuncia su tour por Estados Unidos el cual lleva por nombre “WHAT DO I GOT TO LOSE? TOUR.” El cantante, compositor, autor, estrella de Broadway y actor también sorprende a sus fanáticos con su nuevo sencillo “FREEDOM” el cual estrenará video oficial en los siguientes días. Escucha “Freedom”, el último sencillo de CHILD WITHIN THE MAN.

Bach comparte con Rock And Roll Globe “Child Within The Man relata la manera en que el rock and roll me hace sentir como un niño. La emoción del rock, su sonido, todo lo que gira alrededor, cuando vas a un concierto… para mí cuando el rock and roll está bien hecho, como este álbum, se siente como un elixir mágico. Algo que puedes disfrutar que te hace sentir joven. El espíritu de ser un niño pequeño. No se me ocurren demasiadas cosas que puedan hacer eso en este mundo.”

CHILD WITHIN THE MAN fue grabado en Orlando, Florida; producido y mezclado por Baskette; grabado por Jed Moll y asistido por Josh Saldate; finalmente masterizado por Robert Ludwig/Gateway Mastering. BACH escribió o coescribió las 11 canciones de este álbum donde grabó voces principales así como los coros. CHILD WITHIN THE MAN incluye algunos invitados como John 5, Steve Stevens y Oria nthi  quien ayudó a co escribir sus respectivas canciones junto con BACH. Así como dos canciones co escritas con Myles Kennedy. Devin Bronson en la guitarra, Todd Kerns en bajo y Jeremy Coulson en batería. El álbum está disponible en formato jewelcase, cassette y LP en varios colores a través de la página de RPM.

El arte de la portada tiene un significado especial ya que fue diseñado por el padre de Sebastian Bach, el destacado artista visual, David Bierk. “¡Esta portada fue iniciada en 1978 y fue terminada en 2024!” Dice SEBASTIAN.

Lista de canciones de CHILD WITHIN THE MAN

Everybody Bleeds

Freedom (featuring John 5)

(Hold On) To The Dream

What Do I Got to Lose?

Hard Darkness

Future of Youth (featuring Orianthi)

Vendetta

F.U. (featuring Steve Stevens)

Crucify Me

About To Break

To Live Again

Mau P fusiona magistralmente elementos electrónicos y de hip-hop con su pegajoso nuevo sencillo »On Again»

 1024 819 Expresa Radio

Por: Perro que ladra y muerde

Este nuevo trabajo se caracteriza por los sintetizadores que estuvieron a cargo del legendario productor Mike Dean.

Con su último lanzamiento disponible hoy a través de Insomniac Records, Mau P está redefiniendo los límites de su arte. Mostrando por primera vez sus propias vocales y con la participación del legendario productor Mike Dean, este nuevo sencillo marca un momento monumental mientras Mau se adentra en el centro de atención no solo como un productor, sino como un artista versátil. Él está mostrando al mundo que su trabajo no se trata solo de los ritmos, sino de elevarse creativamente al diseñar diferentes mundos para experimentar su obra.

El distintivo sonido del productor es la fuerza motriz innegable detrás de «On Again», elevado aún más por un gancho poderoso y el característico trabajo del legendario productor Mike Dean. Sin embargo, son las voces de Mau las que realmente destacan en la canción, un elemento sin precedentes que ahora está listo para cambiar la trayectoria de su arte.

Mau P comenta: «Esta canción ha tenido un proceso tan hermoso en el que siento que realmente encontré una nueva parte de mí como artista. Siempre sentí que era una maqueta destinada a un artista más grande que yo, pero después de mostrar a todos la versión con mis voces, simplemente encajó. La magia ya estaba allí y después de obtener la bendición de Mike Dean, realmente se sintió perfecta.»

La colaboración de Mike en este sencillo añade aún más emoción alrededor del tema. Con una carrera de más de 30 años trabajando con los artistas más destacados de la industria musical como The Weeknd, Beyoncé, Kanye West, Kid Cudi, Travis Scott, Jay-Z, Drake y más, la contribución de Dean no solo otorga al tema una influencia innegable, sino que también muestra la dedicación de Mau P a la experimentación, los cruces de géneros y el establecimiento de su propio lugar en la industria.

Aunque recién lanzado, «On Again» ya ha sido tocado por la varita mágica de Mau P. Las electrizantes interpretaciones del tema entonces no lanzado en Miami Music Week y Coachella, donde actuó junto a Diplo, crearon una emoción palpable en la multitud. La capacidad innata de Mau para romper barreras y desafiar expectativas asegura que cada lanzamiento sea recibido con aclamación sin igual. Así como sus éxitos anteriores, «Drugs From Amsterdam«, y «Gimme That Bounce» han solidificado su estatus como pionero en la industria, esté último sencillo está destinado a seguir el mismo camino, estableciendo nuevos estándares de excelencia en la música electrónica.

El dúo electrónico Waveheads redefine los límites con su nuevo sencillo «Galope»

 768 1024 Expresa Radio

Por: Staff Expresa

La banda se prepara para una nueva etapa con MOVIDA MÚSICA

Después de una serie de exitosas colaboraciones y actuaciones en su mercado local, incluyendo el apoyo a artistas de renombre como Caribou y L’Impératrice, Waveheads da un gran salto al firmar con MOVIDA MÚSICA como sello discográfico. A través del cual se da el lanzamiento de su nuevo sencillo, «Galope». Este tema marca el inicio de una nueva etapa del proyecto, con un enfoque renovado en la producción audiovisual. Este nuevo sencillo no solo es un avance musical para la agrupación, sino también un reflejo de su compromiso con la colaboración y la innovación. Durante la producción de este sencillo, los productores tuvieron el privilegio de trabajar con talentosos artistas como Francely Abreu y Saak, en colaboración con los reconocidos productores Julian Bernal y Benjamin Alerhand. Esta fusión de talento y experiencia ha dado como resultado un tema que promete cautivar a los oyentes con su frescura y energía contagiosa.

El grupo electrónico Waveheads, compuesto por Memo y Mau de Guadalajara, ha consolidado su posición como pioneros de la música electrónica latinoamericana desde su formación en 2017. Con una mezcla única de ritmos bailables y elementos de música urbana latina, ellos han cautivado a audiencias tanto en México como en el extranjero con su enfoque innovador y su visión futurista. El nuevo sencillo vendra acompañado de un video musical, y el dúo ha emprendido una campaña de arte callejero en Guadalajara y la Ciudad de México, presentando su nuevo logotipo y generando expectativa para el próximo lanzamiento de su EP. Esta iniciativa demuestra el compromiso de ambos con la expresión artística en todas sus formas, mientras continúan expandiendo sus fronteras creativas.

Un día sin mexicanos contará con proyección de XX aniversario en la Cineteca Nacional

 897 616 Expresa Radio

Por: Joel Rodríguez

Será el próximo 29 de mayo cuando la Sala 2 del recinto cinematográfico, albergue la proyección de la cinta estrenada en 2004, y que, hoy en día es considerada de culto, pues puso sobre la mesa la importancia de los derechos de los mexicanos y latinos en Estados Unidos.

Alejandro Pelayo Rangel (Director de la Cineteca Nacional), Sergio Arau (Director y guionista de “Un día sin mexicanos”) Y Yareli Arizmendi (Guionista y actriz del filme),  presentarán la cinta, al termino de la misma se realizará una plática con los involucrados, así como con Alexandra Haas (Directora de OXFAM México) y la Dra. Silvia Giourguli (Presidenta de El Colegio de México). En Estados Unidos, también se celebrará el aniversario de la cinta

I M P O R T A N T E:

EL MISMO 29 DE MAYO, PREVIA A LA EXHIBICIÓN, SE EFECTUARÁ UNA CONFERENCIA DE PRENSA CON SERGIO ARAU Y YARELI ARIZMENDI, EXCLUSIVA PARA LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN. LA CITA ES A LAS 17:30 HORAS EN LA TERRAZA DE LA MISMA CINETECA NACIONAL .

“20 años después puedo decir que todo lo que suscitó esta película valió la pena; cambiamos la visión de mucha gente y desató un diálogo que antes era escaso, se visibilizaron temas importantes y se habló más abiertamente de ellos. Desde 1992 vivo entre ambos países, entre dos realidades muy diferentes que me han permitido tener una mirada más amplia y objetiva hacia el fenómeno de la migración, sin dejar a un lado la sensibilidad que conlleva. Ya soy ciudadano estadounidense, pero siempre seré mexicano, por supuesto que sí, mi obra como cineasta, músico y artista plástico está impregnada de mi país”, señala Sergio Arau.

“Un día sin mexicanos” fue la película nacional más taquillera de 2004, con un tremendo impacto no sólo en nuestro país sino también en Estados Unidos. Poco a poco su éxito se reflejó en otras latitudes y, a lo largo de 20 años, ha sido exhibida prácticamente en todo el Continente Americano y en naciones europeas como Rusia, Alemania, España e Italia, por mencionar algunas.

Aunque toca el sensible tema de la migración, que en los últimos 20 años se ha agudizado y sigue vigente, en realidad “Un día sin mexicanos” es una comedia muy seria. Desde su promoción causó polémica, pues con tan sólo un anuncio espectacular en Hollywood Boulevard que decía “El 14 de mayo no habrá mexicanos en California”, hubo reacciones tan encontradas que de inmediato tuvo que quitarse del lugar… pero la semilla estaba sembrada, los noticieros cubrieron el hecho y la película comenzó a volar con alas propias.

La premisa era y sigue siendo original, volteó totalmente el planteamiento que cualquiera hubiese imaginado, pues en lugar de mostrar el dolor de nuestros paisanos que emigran a la Unión Americana, evidenciaba el sufrimiento de los estadounidenses al no contar con el trabajo y la presencia de la comunidad latina en su día a día.

Con humor, abordó temas que son complicados hasta la fecha: racismo, discriminación, bajos sueldos, ilegalidad y todo lo que implica ser un migrante mexicano en Estados Unidos (para ellos, cualquier latinoamericano es “mexicano”, no importa el país del cual provengan).

Arau-Arizmendi, sus creadores y guionistas, desarrollaron una trama singular: La misteriosa desaparición, de improviso, de todos los latinos en el estado de California, Estados Unidos y cómo el extraño fenómeno afectaba las vidas de “los blancos” (como se hacen llamar los propios estadounidenses).

Paradójicamente, aunque “desaparecen”, la película dirigida por Sergio Arau hace totalmente visibles a los migrantes latinos, valora su importancia tanto en lo económico como en lo social en el poderoso país del norte. Las cosas no han cambiado mucho desde hace 20 años y aunque actualmente hay muchos mexicanos en todos los niveles y puestos de trabajo en Estados Unidos, la realidad es que la mayor parte de los latinos siguen realizando los trabajos más sencillos y peor pagados, máxime si no tienen papeles que garanticen su legalidad en dicho país.

Sin embargo, hay datos determinantes: el estado de California es la fuerza dominante en la economía de Estados Unidos, es una verdadera potencia por sí solo y el 40% de su población es de origen latino, son millones de personas que trabajan y hacen que la “gran maquinaria” de Estados Unidos funcione. Por eso “Un día sin mexicanos” en este 2024 recobra fuerza y vigencia, su título y significado ha sido retomado en múltiples marchas pro inmigrantes, en foros de análisis en ambos países y lo más importante, se ha convertido en una especie de estandarte para aquellos que buscan una vida mejor al cruzar la frontera.

Vale la pena agregar que la frase “UN DÍA SIN…” se ha vuelto parte de la cultura popular en ambas naciones y se utiliza para apoyar diversas causas, la escuchamos a diario y parte de su uso masivo fue a partir de la exhibición de “Un día sin mexicanos”, hoy considerada para muchos una película de culto y sin duda una obra que vale la pena ver (varias veces). Sergio Arau, su director, definitivamente dedica esta película a todos los migrantes del mundo y también, de manera especial, al actor Eduardo Palomo, quien participó en la misma y murió dos semanas después de terminar el rodaje.

Finalmente, es importante mencionar que Alejandro Pelayo Rangel, actual Director de la Cineteca Nacional, en 2004 fungía como Agregado Cultural del Gobierno de México en Los Ángeles,  por lo cual su visión sobre el estreno de esta cinta en aquellos años y su devenir hasta la actualidad, es de primera mano y de enorme valía.

PREMIOS QUE HA OBTENIDO “UN DÍA SIN MEXICANOS”:  

2004 – FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GUADALAJARA:

Mejor Ópera Prima

Mejor Edición

Premio del Público a la Mejor Película

2004 – 8va. MUESTRA DE CINE MEXICANO E IBEROAMERICANO DE PUERTO VALLARTA:

Premio del Público a la Mejor Película

2005 – FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CARTAGENA COLOMBIA:

Mejor Guión

Premio Especial del Jurado

2005 – FESTIVAL DE CINE DE GRAMADO BRASIL:

Premio “Kikito de Oro”.

ACERCA DE SERGIO ARAU:

Reconocido músico, cineasta y pintor. Artista multi-indisciplinario que nació en la Ciudad de México en 1951. En 1983 formó Botellita de Jerez, el grupo más influyente en el rock mexicano; una banda que incluyó el humor y la música tradicional mexicana combinada con el sonido del rock contemporáneo. Botellita fue definitivamente un parteaguas, cambió la forma de hacer rock en México. Grupos como Molotov, Café Tacvba y El Gran Silencio entre otros, reconocen a Botellita de Jerez como una de sus mayores influencias.

Vale la pena agregar que Sergio Arau fue Director/Escritor/Productor/ del exitoso film “Un día sin mexicanos”, estrenado en 2004. El controversial film atrajo la atención por el tema y por la imaginativa campaña de marketing. Ese mismo año, en México, fue la película más taquillera y hasta la fecha ha vendido más de 500 mil DVD’s en Estados Unidos. “Un día sin mexicanos” sirvió de bandera al Movimiento Pro Inmigrantes del 2006. Ante la llegada de Trump a la Presidencia, volvió a cobrar auge en muchos eventos Pro Inmigrantes.

Egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), fue ganador del Coral de Plata en el Festival de Cine de la Habana con su corto de animación “El Muro”. En 1984 lanzó su propuesta de ArtNacó, una especie de Pop Art basado en la cultura popular mexicana, integrando a la pintura iconográfica de la lucha libre y otras manifestaciones culturales como los altares callejeros.

En 2009 Sergio fue comisionado para decorar el Conga Room en el L.A. Live, un club de Jennifer López y Jimmy Smits. Sus murales, dibujos y esculturas ahora adornan el lugar.

En 1998 Sergio ganó el MTV Award por el video de Café Tacvba “Alarmala de Tos”. En 2010 dirigió “Naco es Chido”: La verdadera historia de Botellita de Jerez basada en hechos más o menos reales; falso documental que se estrenó en el prestigiado Festival de Cine de Guadalajara. También ha dirigido videos para Los Tigres del Norte, Pepe Aguilar y El Gran Silencio, entre otros.

A finales de 2017 editó su álbum «RUDO» cuyo tema «Quiero ser Presidente» se colocó en los primeros lugares en plataformas digitales. En 2018, además de promocionar este disco, se lanzó como CANDIDATO INDEPENDIENTE A LA PRESIDENCIA DE MÉXICO, su campaña fue reseñada por medios nacionales y extranjeros, obteniendo millones de adeptos a su causa.

Su más reciente proyecto musical es “TOCADA Y FUGA” basado en los “greatest hits” de la música clásica… a su estilo. El álbum es ahora una Stand-Ópera que se presenta como espectáculo en México y Estados Unidos www.tocadayfuga.com.

ACERCA DE YARELI ARIZMENDI:

Actriz, escritora y productora galardonada, así como activista social. Conocida por su actuación como Rosaura en Como agua para chocolate y como Lila Rodríguez en Un día sin mexicanos, de la cual fue coautora y coproductora.

Con más de 25 años de actividad profesional (www.imdb.me/yareli). también ha protagonizado programas de televisión como House, SixFeetUnder, Heroes, 24 y Medium, y narrado incontables audio-libros como American Dirt, Los Detectives Salvajes, Violeta, LikeWaterfor Chocolate, A Ballad of Love and Glory (www.Audible.com). 

 

Con su TED Talk: Makingthe Invisible Visible/ Haciendo Visible Lo Invisible, deja en claro su objetivo profesional (https://www.youtube.com/watch?v=1WvqgRH4qaQ).  Es miembro de La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood (OSCARS), Licenciada en Ciencias Políticas y Maestra en Teatro por la Universidad de California, San Diego.

 

Estreno: Sofia Macchi lanza video para Herida, a dúo con Benjamin Walker

 600 900 Expresa Radio

Por: Joel Rodríguez

La cantante argentina también anuncia show en Bajo Circuito, CDMX el próximo 20 de junio.

La cantante y compositora argentina Sofia Macchi estrenó videoclip de su sencillo Herida junto al chileno Benjamin Walker. Una emotiva pieza que los muestra a ambos a través de emotivas viñetas que ocurren en una sencilla habitación.

Esta canción habla de una herida primaria, esa que llevamos muchas veces escondida, otras bien expuesta, algunas cicatrizadas y otras sangrando. Verla y reconocerla dio fuerza e inspiración para la creación de esta canción. Es lo agrio dentro de este universo de canciones agridulces. Este folklore trae guitarras de nylon, bombo leguero y contrabajo. La voz de Benjamin Walker enriquece aún más con su hermosa interpretación.

Originalmente “Herida” no iba a ser parte del álbum “Agridulce”, pero fue un sueño en el que se vio a sí misma en el estudio pre produciendo el disco el que le reveló que debería formar parte.

Agridulce es un disco que empezó a gestarse el primer año de la pandemia:

“Necesitaba expresarme y encontré en esta búsqueda el canal para aterrizar todas las emociones que estaba atravesando. Este disco trae mucho de quien siempre fui, mis procesos, y de la profundidad con la que suelo encarar las canciones, pero también hay una búsqueda distinta en el sonido, en el lenguaje, y las melodías. Me gusta pensarlo como un compilado de las canciones que pudieron salir de mí en este periodo que fue movilizante, retador y revoltoso. Cada canción tiene una historia, muchas nacieron en la soledad de mi cuarto, otras en México acompañada por amigues, otras en Buenos Aires en el estudio dando forma a la historia completa. Este disco son momentos, y sus historias te pueden conectar con lo ácido pero también con lo dulce de la vida”. – Sofia Macchi

Sofia Macchi es una artista, cantautora nacida en la ciudad de Buenos Aires. Su voz suave y poderosa te transporta, te abraza y transforma. Su música navega por el pop, el indie, el bolero y otros colores de la música latinoamericana.

Radicada en México, en 2017 lanzó su primer disco titulado «Me fui a volver». Su música ha recorrido grandes escenarios y encabezado listas virales de Spotify en México, Argentina, Chile, Colombia, y Japón. Ha lanzado además 2 EPs y más de 15 singles y colaboraciones con artistas como Benjamin Walker, Marissa Mur, Sir Hope, Maria Centeno, Alaíde, etc. Sofía ha girado con su música por Argentina, México, Chile, República Dominicana, Japón, Australia y más países. Actualmente se encuentra en la promoción de su segundo álbum, Agridulce (Nov. 2023), realizado en Buenos Aires, Argentina.

**Sofia Macchi se presentará en CDMX el próximo 20 de junio en Bajo Circuito.**

Ya hay trailer de «Rite here rite now», la nueva cinta de Ghost

 1024 682 Expresa Radio

Por: Staff Expresa

La banda estrena el tráiler de su película y ya puedes pre-ordenar el soundtrack de la misma. “Rite Here Rite Now” llegará a cines los días 20 y 22 de junio. El Soundtrack original de la película estará disponible el 26 de julio a través de Loma Vista.

Londres, Reino Unido – 9 de mayo de 2024 – Trafalgar Releasing lanzó hoy el tráiler a nivel global de la película debut de Ghost, RITE HERE RITE NOW. Como se dio a conocer anteriormente, la película se estrenará en cines de todo el mundo el 20 y 22 de junio, pero las entradas salen a la venta hoy de forma anticipada y están disponibles aquí. Las proyecciones pueden variar según el territorio. Filmada durante los dos shows de Ghost en el venerado Kia Forum de Los Ángeles, RITE HERE RITE NOW sumerge a los espectadores en el melodrama tecnicolor del venerado ritual en vivo, que es ver a GHOST en directo, y  que ha ayudado a impulsar internacionalmente al principal acto de rock teatral de Suecia hacia el estatus de ganador del GRAMMY, número uno en las listas y cabeza de cartel en arenas de todo el mundo.

RITE HERE RITE NOW: The Original Motion Picture Soundtrack se lanzará en todo el mundo el 26 de julio a través de Loma Vista Recordings. Como un complemento para la primera película original de Ghost contaremos con 18 canciones, la banda sonora original estará disponible en todos los formatos (digital, CD, 2xLP). Ya puedes pre-ordenarlo aquí y escuchar la versión en vivo de «Absolution«, parte de la banda sonora, capturada en esa legendaria actuación de dos noches en el Forum, escucha la canción en plataformas aquí y en Youtube acá.

Sin embargo, RITE HERE RITE NOW es mucho más que un concierto grabado para cine. La primera película de Ghost combina el show en vivo de las dos últimas noches de la gira RE-IMPERATOUR U.S.A. 2023 con una narrativa que retoma los hilos argumentales de la larga serie web de la banda. El resultado es una mezcla fantasmagórica completamente única: interpretaciones de las canciones favoritas de los cinco álbumes de Ghost, incluida «Mary On A Cross«, canción con certificado platino por la RIAA, todas las canciones, se entrelazan con el debut en la pantalla de algunas caras familiares para las legiones de fans de la banda, todos interactuando tras bambalinas con el Papa Emeritus IV de Ghost, mientras su futuro y destino están en manos del Ministerio.

Sin importar si eres un devoto discípulo que busque revivir recuerdos de conciertos pasados de Ghost o estés entre los curiosos no iniciados, RITE HERE RITE NOW te pondrá justo allí: alejado de tu teléfono y viviendo el momento, mientras una sombra de incertidumbre se cierne, hechizándote por completo bajo el dominio de este retrato cinematográfico Ghost.

RITE HERE RITE NOW está dirigida por Tobias Forge y Alex Ross Perry de Ghost y es producida por Popecorn Cinematic Pictures. Los productores incluyen a Kristen Mulderig, Rick Sales, Craig Butta y Jonas Åkerlund.

Acerca de GHOST:

Acumulando casi 10 mil millones de reproducciones, la banda sueca de rock ganadora del GRAMMY y sensación global, continúa llevando el «espectáculo eufórico» (ROLLING STONE) de sus shows en vivo a multitudes cada vez más grandes, vale la pena mencionar que recientemente en la gira RE-IMPERATOUR U.S.A. del 2023, que recorrió más de dos docenas de ciudades de América del Norte antes de su cierre, con dos noches completamente abarrotadas en el Kia Forum de Los Ángeles.

En marzo de 2022, THE LOS ANGELES TIMES reportó en su portada portada que GHOST había «conquistado el metal y las listas de éxitos» cuando su quinto álbum IMPERA debutó en el puesto #1 barriendo con las listas en EE. UU., ingresando al BILLBOARD 200 en el puesto #2 y debutando en el puesto #1 en su nativa Suecia, Alemania y Finlandia, mientras se colocaba en el top 5 en otra medio docena de países más.

Con «Spillways» —aclamado como una «canción de rock dulcemente construida» por THE NEW YORK TIMES y luego reimaginado con Joe Elliott de Def Leppard— y el sencillo nominado al GRAMMY «Call Me Little Sunshine», quinto #1 de GHOST en la radio Active Rock—IMPERA llevó a ROLLING STONE a escribir, «GHOST predijo la pandemia, ahora la banda de metal está prediciendo la caída de los imperios». El álbum incluía el tema más actual y revelador de GHOST hasta la fecha, haciendo de IMPERA una pieza como ninguna otra.

Después de cerrar 2022 al conquistar el Billboard Hot 100 por primera vez, con el certificado de platino de la RIAA con «Mary on a Cross», así como IMPERA ganando el premio Favorite Rock Album en los American Music Awards y Mejor Álbum de Rock del Año en los iHeart Radio Music Awards, GHOST presentó PHANTOMIME, un EP de cinco canciones de covers que incluye la versión de «Phantom of the Opera» de Iron Maiden que le valió a la banda su quinta nominación al GRAMMY. La aparentemente ilimitada ambición de GHOST pronto llevará a la banda a la pantalla grande con el estreno en salas de la película RITE HERE RITE NOW.

Acerca de Alex Ross Perry

Alex Ross Perry nació en Bryn Mawr, Pensilvania, en 1984. Asistió a la Tisch School of the Arts en la Universidad de Nueva York y trabajó en Kim’s Video en Manhattan. Es el director de las películas Impolex, The Color Wheel, Listen Up Philip, Queen of Earth, Golden Exits, Her Smell y el escritor de Christopher Robin de Disney. Ha dirigido videos musicales para GHOST, Pavement, Kim Gordon, Sleigh Bells y muchos más. Vive en Brooklyn.

Acerca de Trafalgar Releasing

Trafalgar Releasing, líder global en la distribución de shows en vivo, aprovecha el poder del cine para reunir a los fans en más de 15,000 cines en 132 países. Una subsidiaria de Trafalgar Entertainment, las operaciones de Trafalgar Releasing incluyen producción, adquisición, marketing y distribución de contenido en vivo o pregrabado en cines de todo el mundo, lideradas por un equipo internacional con base en el Reino Unido, EE. UU. y Alemania. Conciertos en vivo, documentales musicales, ópera de clase mundial, teatro premiado y más de los principales nombres del entretenimiento como Taylor Swift, Beyoncé, BTS, Metallica, Oasis, Coldplay, Billie Eilish, la Royal Opera House y otros, Trafalgar Releasing ha roto repetidamente récords de taquilla en el cine de eventos, más recientemente con la distribución internacional de TAYLOR SWIFT | THE ERAS TOUR, el documental/concierto más taquillero de todos los tiempos. La información sobre Trafalgar Releasing se puede encontrar en www.trafalgar-releasing.com.